Звук в кино: от тапёров до Dolby Atmos

Эволюция музыкального сопровождения фильмов началась сравнительно недавно — с конца XIX века. Первые кинокартины производились совсем без звука – они были просто движущейся картинкой, изображающей съёмку чего-то повседневного. Так, например, одной из первых подобных иллюстраций стал фильм братьев Люмьер «Прибытие поезда на вокзал Ла-Сьота» 1895 года.

Конечно, увидеть в то время на квадратном полотне надвигающийся поезд — уже было чудом. Со временем зрителям и кинопроизводителям захотелось увеличить эмоции от просмотра фильмов, и люди стали думать, как их обыграть.

Киноленты в первых кинотеатрах стали сопровождать тапёры — люди, которые играли лёгкую фоновую музыку на фортепиано или других инструментах. Если кинотеатр того времени был большим, показ фильма сопровождал целый симфонический оркестр. Название профессии «тапёр» произошло от французского слова «tapeur», что дословно означает «хлопать, стучать». Часто инструменты на которых играли тапёры были не самого хорошего качества, и музыканты колотили по ним пальцами, чтобы извлечь хоть какой-то звук.

Новая специальность увлекала молодёжь, и многие известные нам музыканты тоже пробовали свои силы в качестве музыкальных сопроводителей. Лучшим тапёром Советского Союза стал Дмитрий Шостакович. В 1923 году, в возрасте 17 лет, юноша завершил обучение в Ленинградской консерватории по классу фортепиано и поступил на должность пианиста-иллюстратора кино. Сначала он работал в театре «Светлая лента», затем в «Сплендид Палас». Его преподаватель –  Леонид Владимирович Николаев, советовал юноше: «Уж если играете в кино, то импровизируйте». Шостакович прислушался к словам учителя, и спустя 15 лет, он давал интервью газете «Вечерняя Москва» (1940 г.)и вспоминал:

«Учась в Ленинградской консерватории по классу рояля и по классу композиции, я одновременно служил в одном из ленинградских кинотеатров. Тогда ещё не было звуковых фильмов, и картины демонстрировались в сопровождении рояля, на котором тапёры исполняли популярные марши и вальсы. Я же удовлетворял свою страсть к импровизации. Это очень увлекало меня, и ещё долгое время спустя и даже сейчас я пишу много вещей, которые не опубликовываю. Это — своего рода композиторские экзерсисы».

Музыка для немого кино изначально была композиторской — исполнители играли популярные песни и водевили, но большинство артистов всё же отдавали предпочтение импровизации. Тапёр должен был уметь играть в любом музыкальном стиле, чтобы наиболее ярко передавать характер фильма. Эти люди были настоящими мастерами своего дела: они следили за видеорядом, реагировали на минимальные изменения настроения картины и одновременно с этим играли на инструменте. Особенно непросто было в первые годы показа немого кино, когда техника «зависала» или ускоряла киноленту. В такие моменты музыканты должны были переключаться ещё быстрее, чтобы уменьшить недовольство зрителей.

В конце 1920 – х годов началась новая волна развития кинематографа и сопровождалась она рождением звукового кино. Эксперименты захватили умы учёных, и на помощь оркестровому звучанию пришли новаторские инструменты.

Таким инструментом стал терменвокс. Прототипом устройства послужил генератор электрических колебаний на катодной лампе. Лев Термен, советский изобретатель и музыкант, создал свой инструмент в 1920-е, чтобы доказать, что электричество тоже имеет звук. И у него получилось! Принципом игры на терменвоксе было бесконтактное движение рук и пальцев. Извлечение звука происходило благодаря влиянию человека на электромагнитное поле прибора. Внутри устройства находились два генератора с постоянной и переменной частотой, а также две антенны: одна отвечала за громкость звука, другая — за его высоту.

Инструмент ошеломил и покорил публику, и моментально стал поводом для гордости. Его активно применяют в кинематографе по сей день, особенно в фантастических фильмах.

Режиссёр Альфред Хичкок первым использовал терменвокс для создания атмосферы ужаса и таинственности. Именно он задал тенденцию к обширному применению инструмента в кинематографе. Первый фильм ужасов с использованием терменвокса — «Заворожённый», вышел в 1945 году и сразу же стал ярчайшим примером тревожного, будоражащего кровь музыкального сопровождения. Благодаря Самюэлю Хоффману, исполнившему партии на терменвоксе при помощи активного «размашистого» вибрато, и появилось такое звучание. С этого момента инструмент получил большую популярность на Западе и в Европе.

Позже терменвокс стал «голосом» космоса в картинах: «День, когда остановилась Земля» или «Оно пришло из далекого космоса», а также звучанием будущего. В фильме «Иван Васильевич меняет профессию» терменвокс использовали для озвучивания фрагмента запуска машины времени.

Вместе с терменвоксом появился и другой инструмент — «волны Мартено». Этот инструмент появился в 1928 году и послужил  прототипом синтезатора. У изобретения была семиоктавная клавиатура, нить с кольцом для указательного пальца правой руки, кнопка, исполняющая роль смычка, и переключатель режимов управления и тембров. Инструмент был одноголосым, но быстро приглянулся кинорежиссёрам, потому что из него можно было извлечь бархатный бас или душераздирающий тонкий вопль, поиграть с динамикой от пианиссимо до фортиссимо, а различные приёмы звукоизвлечения могли даже воспроизвести звук бьющейся посуды. Звуки волн Мартено можно найти в музыке к фильмам: «Лоуренс Аравийский», «Моя левая нога», «Охотники за привидениями», «Амели» и других.

Постепенно музыка в кинематографе перестала быть сопровождением, она стала неотъемлемой частью картины. С помощью музыки режиссёры скрывали свои промахи — ошибки видеоряда, безобразный монтаж, некорректные ракурсы, неправильно поставленные кадры, неровный свет. Потребность в новых звуковых эффектах постоянно возрастала. Публика пугалась недостаточно, нужно было, чтобы она кричала от жути! Поэтому экспериментам подверглись и классические инструменты.

Некоторые акустические инструменты стали электронными. Так появился синтезатор. Внешний вид инструмента и принципы игры позаимствовали у фортепиано, а возможность управлять тембровыми красками — у волн Мартено. 

Первым фильмом с использованием звучания синтезатора стал «Заводной апельсин» 1971 года. Композитор Венди Карлос записывала к нему саундтреки с мощнейшей аранжировкой — ей удалось создать атмосферное и жуткое звучание академических произведений.

Оркестровые инструменты тоже внесли большой вклад в создание атмосферных фильмов. Фортепиано использовали как струнный инструмент — пианист играл прямо на струнах рояля приёмами пиццикато, стаккато. Для звукоизвлечения применяли разные предметы: болты, гайки, резину и пластик. Струнные инструменты тоже модернизировали — для характерного звука металла и скрежета на струны прикрепляли скрепки, а также использовали специальные приёмы, например, игру древком смычка за подставкой (почти на подгрифнике).

В кино разные инструменты зазвучали по-новому, что породило множество слуховых стереотипов и паттернов. Например, принято считать, что орган создаёт в фильмах тревожность или траурное настроение: в воображении зрителей сразу всплывают образы католического храма, стихийных бедствий, склепов и мертвецов. Хотя есть примеры, когда органная музыка призывает к чему-то возвышенному в фильмах, а иногда даже высмеивает ситуацию.

Самое популярное органное произведение — «Токката и фуга ре минор» И. С. Баха — используется в огромном количестве фильмов, но с разным подтекстом. Например, в картине «Сладкая жизнь» Ф. Феллини на фоне бурлящей светской суеты мелодия становится символом одиночества и печали по идеальной семейной жизни.
В «Призраке оперы» ситуация другая: тема токкаты выступает как зловещее предзнаменование — ожидание встречи главной героини с призраком. В момент органного проигрыша девушку похищают. 

Атмосферу ужасов можно уловить в фильме «Замок кошмаров». Стихийное бедствие отлично показано во второй части «Пиратов Карибского моря», где капитан Дейви Джонс играет на органе. Ощущение возвышенности зритель может поймать в картине А. Тарковского «Солярис».

Специалисты по озвучиванию и звуковым спецэффектам в кино часто используют и подручные инструменты. Например, для изображения грома в фильмах используют алюминиевые листы, для имитации звуков покачивания или скипа — ржавые петли, а лошадиный топот воссоздают с помощью кокосовой скорлупы.

Сложно сказать, какая музыка — акустическая или электронная – оказывает большее влияние на звуковые спецэффекты и человеческое восприятие фильмов. Электронный звук помогает подчеркнуть научные, технические и фантастические аспекты сюжета, в то время как акустическая музыка, исполненная на привычных инструментах, лучше передаёт эмоции и определённую атмосферу. Звучание зависит от режиссёра, его замысла и особенностей сценария фильма, которые необходимо подчеркнуть.

Режиссёры часто используют в своих фильмах отсылки к другим музыкальным произведениям. Например, на написание музыки к фильму «Сияние» музыканта вдохновили произведения композиторов второй волны авангарда — Д. Лигети, Б. Барток, К. Пендерецкий и другие. Композиторы картины — Венди Карлос и Рейчел Элкинд — записали саундтрек «Dies irae», в котором можно угадать финал «Фантастической симфонии» Г. Берлиоза. Знаменитая тема «B-A-C-H», сложенная из звуков фамилии И. С. Баха, полноценно раскрывает исход фильма, предвосхищая трагическое прозрение.

Чтобы ощутить полноту связи музыкального произведения с кинокартиной, давайте представим, как будто музыку для «Сияния» аранжировал другой музыкант, например – Дзё Хисаиси — композитор, написавший сюиты к мультфильмам Хаяо Миядзаки. Фильм станет восприниматься иначе: в сценах «ужаса» возникнут саркастичные ноты, и даже может появиться надежда на будущее, несмотря на уже известный нам финал. Удивительно, как стилизация музыкального сопровождения может изменить наше восприятие картины за считанные секунды и даже вывести из состояния ужаса в более спокойную атмосферу.

Звукозапись начала интересовать изобретателей отдельно от кинематографа. Для звукозаписи и озвучивания появился фоноавтограф. Его изобрел Эдуард-Леона Скотт де Мартинвиль в 1857 году.

Идея создавать «звучащие картинки» придумали фотограф Эдвард Мейбридж и изобретатель Томас Эдисон в 1878 году. Так появился новый инструмент — фонограф. Устройство состояло из гигантской трубы, к которой нужно было подходить вплотную для более качественной звукозаписи, и специальных восковых цилиндров. Рупор устройства собирал звуковые волны, концентрировал их внутри себя, потом игла через эти колебания нарезала звуковые рисунки на крутящиеся механические пластинки. На пластинки старались записывать громкую музыку, преимущественно оркестровую, поскольку хотели передать объемный звук. Оборудование было слабо развито, усилителей звука совсем не было. Но из того времени до нас добралось правило — чем громче звук, тем проще его записать.

Позже Эдисон создал кинетоскоп — прибор для воспроизведения видеоряда. В отличие от современного кинопроектора, на кинетоскопе можно было посмотреть фильм только одному человеку через специальный окуляр.
Для того, чтобы объединить видео и звук воедино, в 1895 году изобрели кинетофон. Сотрудникам компании General Electric, которыми управлял Томас Эдисон, почти удалось соединить вместе все наработки.

Кинетофон был коммерческим изобретением. Любой человек мог посмотреть фильм за небольшую плату, и новшество стало популярным аттракционом. Эдисон считал, что дальше кинематограф развиваться не будет, однако в 1900 году он представил миру три усовершенствованные версии кинетоскопа: фонораму, хромофон и фоно-синематеатр. 

Благодаря тому, что американский изобретатель Ли де Форест в 1906 году представил миру трёхэлектродную вакуумную лампу с управляющим сетчатым электродом —  триод, появились первые усилители звука.
На их основе Форест создал совершенно новую систему звукозаписи — «фонофильм». Её уникальность была в соединении видеоряда с оптической записью звука: при управлении и контакте светового потока с фотоматериалом появлялся электрический сигнал, и звук фиксировался при помощи света на движущейся светочувствительной киноплёнке.

К сожалению, изобретение Фореста не получило большого успеха из-за низкого качества звукозаписи и расцвета немого кино, однако оно послужило прототипом для последующих инноваций.

В 1916 году Эдвард Венте – сотрудник Bell Laboratories, разработал прототип первого конденсаторного микрофона. Это был всего лишь образец, но для будущего прогресса разработка сыграла важную роль.

Следом кинокомпания Warner Bros. Pictures произвела свою оптическую систему звукозаписи — Витафон. Во время записи были использованы диски, которые позволяли наносить большой объём информации на целых 10 минут. Каждая пластинка использовалась 20 раз, затем заменялась на новую. Для синхронизации звука с изображением применяли специальное устройство, которое механически связывало проигрыватель дисков с кинопроектором.

Первое представление этой технологии состоялось в 1926 году в Warner Theatre. В кинотеатре показали новейшую картину «Дон Жуан» с шумами и музыкой. В следующем году компания представила мюзикл Алана Кросленда «Певец джаза», где появились первые слова. Эра немого кино стала постепенно угасать.

В это же время, в 1926 году, советский учёный Павел Тагер представил свой инструмент для записи и воспроизведения звука — тагефон. Он отличался тем, что обеспечивал синхронную запись звука и видеоряда независимо от настроек кинопроектора, из-за чего расслоения дорожек не происходило. Устройство состояло из двух поляризаторов, ячейки с нитробензолом и приложенного к её обкладкам усилителя звуковой частоты, через которые проходил световой поток. Благодаря этой цепи, качество записи звука было высоким и передовым по сравнению с существующими аналогами.

Ведущие кинокомпании Америки — Universal Pictures и Paramount Pictures, несмотря на существующий прогресс, утверждали, что у звуковых фильмов нет будущего. Они скорее будут мимолётным развлечением, чем станут частью человеческой жизни. Но после успешного показа звуковой картины от Warner Bros. Pictures, воротилы киноиндустрии поменяли своё решение. К ним присоединились Metro-Goldwyn-Mayer, First National Pictures и корпорация кинопродюсеров. Они заключили соглашение «Большой пятёрки» для создания единого формата записи звука, чтобы стало проще развиваться в индустрии кино.

Следующее десятилетие стало кризисным для развития звука. Актёры немого кино боялись переходить в новое амплуа. Например, Чарли Чаплин не хотел расставаться с образом «маленького немого человечка», опасаясь, что общество не примет его «в звуке». При этом, в 1940 году на экраны вышел фильм с Чарли Чаплином в главной роли в полной голосовой озвучке — «Великий диктатор». В том же году появился знаменательный мультфильм «Фантазия» с первой стереозаписью звука от кинокомпании Уолта Диснея.

Но кризис продолжал процветать. В киноиндустрии повсеместно не хватало оборудования для воспроизведения фильмов, не было необходимых специалистов для записи и воспроизведения звука — звукорежиссёров, монтажёров, операторов, саунд-дизайнеров и продюсеров. Студий звукозаписи, в которых можно было правильно выставить звук, тоже не было.

Новый виток развития звукозаписи начался в конце 1940-х годов, с развитием телевидения. С появлением стереоизображения звук стали записывать по новой стереосистеме. На помощь пришла Academy Curve — звуковая кривая, одобренная академией киноискусств. При её использовании из записи исключались все частоты, выше 8 тысяч Гц, включая «шипение». Звук получался гораздо чище, но стал более приглушённым, поэтому уникальные тембры музыкальных инструментов и голоса актёров терялись.

Например, в фильме Альфреда Хичкока «Головокружение» возникла проблема с записью звука на открытом воздухе. В картине видно, что актёры в одной локации с разных ракурсов выглядят по-разному. Это произошло из-за невозможности записать качественный звук голосов на природе — шумы ветра и окружающей среды сильно «забивали» речь. Дубли приходилось переозвучивать в студии, и затем накладывать на них звуки природы. Подобные сложности привели к рассинхронизации кадра и звука, и возникло ощущение, будто актёры «не попадают» в свои же слова.

Для решения этой проблемы появилась новая, ещё более совершенная система Dolby Sound — прототип технологии записи и воспроизведения многоканального звука, а также система шумопонижения. Фильм «Заводной апельсин» стал первой картиной, в которой применили новую модель звукозаписи. В 1976 году появилась модернизированная версия этой модели — Dolby Stereo — расширенный стерео-канал, благодаря которому звук стал ещё объёмнее. Этот формат до сих пор актуален и активно используется студиями звукозаписи. Фильм «Звёздные войны. Новая надежда» — первая картина с подобной системой озвучки.

С конца 1970-х годов форматы Dolby начинают постоянно развиваться и совершенствоваться. Так появляются:

▪️ Dolby Surround — 1982 г. –  адаптированная версия Dolby Stereo для домашней студии;

▪️ Dolby Spectral Recording — 1986 г. –  новый аналоговый формат записи звука на киноплёнку;

▪️ Dolby Surround Pro Logic — 1987 г., — технология извлечения из двухканальной фонограммы на видеокассете четырёх дорожек окружающего звука;

▪️ Dolby Digital — 1992 г. – новый формат цифровой записи. Впервые его использовали в фильме «Бетмен. Возвращение»;

▪️ Dolby Surround EX — 1999 г. –  ещё один формат цифровой записи, который разработали специально для 1-го эпизода фильма «Звёздные Войны»;

▪️ Dolby Atmos — 2012 г. — революционная технология, которая привела к появлению нового звукового измерения трёхмерной, объектно-ориентированной звукозаписи. Благодаря ей режиссёры смогли управлять звуком на виртуальной трёхмерной сцене. Например, если в фильме завывает ветер, эффект равномерно распределяется по потолку кинотеатра для полного погружения зрителя в кинопространство;

▪️ Dolby Cinema — 2015 г. — формат кинотеатра нового поколения, объединяющий технологию цветокоррекции Dolby Vision и Dolby Atmos.